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'퀸메이커', 김희애와 문소리의 연대가 그리고 있는 것

김희애에 문소리다. 작품 하나하나 허투루 선택하는 일이 없는 이 두 배우가 한 작품으로 뭉쳤다. 넷플릭스 오리지널 드라마 <퀸메이커>. 제목부터 진하게 느껴지는 것이 있다. 바로 여성 서사다. 

김희애와 문소리가 각각 연기하는 황도희와 오경숙은 서로 대척점에서 만난다. 황도희는 은성그룹 재벌가 사람들이 저지르는 갖가지 더러운 비리들을 수단과 방법 가리지 않고 처리하는 해결사다. 그는 이미지 메이킹의 귀재로 그 악마의 재능을 재벌가의 더러운 짓거리에 쏠린 대중들의 공분을 분산시키고 덮어버리는 데 쓴다. 

반면 ‘코뿔소’라는 별명으로 불리는 오경숙은 인권변호사로 부당하게 해고된 여직원들을 위해 은성백화점 옥상에서 전원 복직을 요구하며 1인 시위를 하는 인물이다. 그러니 황도희와 오경숙은 정반대의 위치에서 부딪친다. 오경숙을 끌어내리려는 은성그룹 오너들의 편에서 황도희가 일하고 있기 때문이다. 

그런데 그렇게 은성그룹의 충성스런 개로 살아가던 황도희에게 충격적인 사건이 벌어진다. 은성그룹 재벌가 사람들과는 너무나 다르게 세상에 봉사와 나눔을 실천하는 더할 나위 없는 사위로 알려진 백재민(류수영)의 추악한 실체를 확인하게 되면서 황도희는 심경에 변화를 겪는다. 결국 은성그룹을 퇴사한 황도희는 한 때는 정반대의 위치에 서 있었던 황도희에게 손을 내민다. “오경숙, 시장하자.”

드라마에서 그토록 많이 등장했던 구도가 여성의 적은 여성이라는 프레임이었다면, <퀸메이커>는 그런 구도로 시작하지만 그들이 함께 손을 잡고 정치판에 뛰어드는 이야기로 방향을 튼다. 그렇게 오경숙을 시장으로 만들려는 황도희는 은성그룹이 시장을 만들려는 백재민과 맞서게 된다. 재벌가 사위와 인권변호사의 대결. 계란으로 바위치기처럼 보이지만, 오래도록 은성그룹 재벌가를 위해 일했던 황도희는 그들의 약점 또한 정확히 알고 있다. 일방적인 게임이 아닌 치고받는 치열한 공방이 가능해지는 이유다. 

황도희라는 인물은 한때 재벌가에서 일했지만 어떤 각성을 한 후 그 경험들을 통해 그들과 맞서는 인물이라는 점에서 과거 김희애가 연기했던 <밀회>의 오혜원이라는 인물과 겹쳐지는 면이 있다. 하지만 근본적으로 다른 건 이기기 위해 물불 가리지 않는 모습이다. 정치판에 뛰어든 만큼 어떻게든 오경숙을 시장으로 세우기 위해 갖가지 지략들을 짜낸다. 

여기에 오경숙 또한 만만한 인물이 아니다. 황도희가 “타고 났다”고 말할 정도로 순발력 있게 던지는 말에 힘이 있고, 그렇게 대중들의 마음을 움직이고 시선을 집중시키게 만드는 인물이다. 정치인으로서 나선 적은 없지만, 황도희의 말처럼 이미 그 자질을 갖고 있는 인물. 그래서 오경숙의 지략이 있다면 황도희는 ‘코뿔소’라는 별명처럼 밀어붙이는 뚝심과 결단력을 갖고 있다. 

실전 정치는 이미지 메이킹과 떼려야 뗄 수 없다. 좋은 이미지를 더 부각시키고 안 좋은 이미지를 가리거나 좋게 포장하는 건 대중들의 표심을 얻는 효과적인 방법이 될 수 있기 때문이다. 그래서 황도희가 재벌가를 위해 해오며 능력을 갖게 된 이미지 메이킹은 이제 오경숙을 시장으로 세우는 정치판에서도 힘을 발휘한다. 

하지만 진짜 대중들을 움직이는 건 진심일 수밖에 없다. 그런 점에서 오경숙이 갖고 있는 서민들을 위한 마음은, 황도희의 이미지 메이킹으로는 할 수 없는 빈 구석을 채운다. 그래서 이 둘이 힘을 합칠 때 시청자들은 그 연대의식에서 비롯되는 묘한 카타르시스를 갖게 된다. 여성의 적은 여성이라는 틀을 벗어나 두 여성이 연대하면서 생겨나는 시너지를 작품을 통해 발견하게 되기 때문이다. 

다시 처음으로 돌아가, 이 작품은 결국 이 황도희와 오경숙이라는 인물을 얼마나 정서적으로 공감하게 만드느냐가 관건이 아닐 수 없다. 그런 점에서 이들 역할을 연기한 김희애와 문소리의 섬세한 연기는 시청자들이 <퀸메이커>에 몰입하게 해주기에 충분한다. 이름만으로도 갖게 되는 기대감만큼 충분히 그 기대를 충족시켜주는 배우들의 면면을 이 작품에서 발견하게 될 것이다. 한때 대척점에 서 있던 두 사람이 한 편으로 서 있는 광경만 봐도 가슴이 웅장해질 정도로. (사진:넷플릭스)

‘리바운드’ 이 기적 같은 농구 실화가 주는 감동의 실체

“농구 하다 보면 슛 쏴도 안 들어갈 때가 있다 아이가. 근데 그 순간의 노력에 따라서 기회가 다시 생기기도 한다. 그거를 뭐하고 하노?” 장항준 감독의 영화 <리바운드>에서 마지막 결승전에 양현이 코치(안재홍)가 선수들에게 하는 이 질문의 답은 바로 ‘리바운드’다. 그리고 이건 2012년 부산 중앙고등학교 농구부의 기적 같은 실화를 담은 이 영화가 궁극적으로 던지는 메시지다. 

<더 퍼스트 슬램덩크>가 신드롬을 불러일으키며 농구를 소재로 한 <리바운드>에 대한 관심도 높아졌다. 이른바 ‘중꺾마(중요한 건 꺾이지 않는 마음)’ 정서를 건드리며 N차관람 장기흥행을 이어가고 있는 <더 퍼스트 슬램덩크>는 원작 팬들을 중심으로 젊은 세대들까지 팬덤이 확장되었다. 원작이 강백호 중심의 서사였다면 이 영화는 송태섭을 중심으로 세워 저마다의 약점을 극복해나가는 과정을 그림으로써 관객들을 열광시킨다. 

<리바운드>는 어떨까. 먼저 <더 퍼스트 슬램덩크>와 다른 점은 이 이야기가 100% 실화를 바탕으로 하고 있다는 사실이다. 2012년 전국 고교 농구 대회에서 단 6명의 선수진만으로 결승까지 진출했던 부산 중앙고 농구부 이야기가 그것이다. 선수가 없어 해체 위기에 놓여 있던 농구부를 공익 근무 요원인 양현이 코치가 맡으면서 결코 이룰 수 없을 것만 같았던 기적 같은 결과를 만들어낸 이야기. 

실화가 갖는 힘은 그래서 <리바운드>에 절대적이다. 그래서인지 장항준 감독은 처음부터 애써 힘을 잔뜩 주는 연출을 하는 대신, 차분하게 각 선수들이 가진 서사를 풀어내고 그들 각자가 갖고 있는 상황과 그래서 거기서 얹어지는 감정들을 차곡차곡 쌓아나가는 방식을 선택했다. 물론 장항준 감독 특유의 코미디가 이런 다소 처질 수 있는 과정들을 유쾌하게 이끌어나가는 힘을 만들어준다. 

<리바운드>라는 제목에 걸맞게 양현이 코치가 맡은 오합지졸 농구부는 경기에 나가 참담한 패배를 경험한다. 그런데 여기서 인상적인 건 양현이 코치가 선수들을 찾아가 사과하는 장면이다. 그는 선수로서 실패한 자신이 마치 세상에 복수하듯 이 농구부를 몰아세웠다는 걸 인정하고, 선수들에게 한 번 더 기회를 달라고 애원한다. 그렇게 다시 해체 수순을 밟던 농구부가 다시 뭉치고, 양현이 코치는 선수들에게 이기는 것만이 목적이 아닌 선수들 하나하나가 자신에게 맞는 포지션에서 기량을 최고로 발휘할 수 있는 방법들을 훈련시킨다. 그 과정을 통해 선수들은 농구를 사랑하게 되고, 그것은 각자 스스로의 자존감을 회복하는 일이 된다. 

양현이 코치는 물론이고 선수들 하나하나의 감정들을 차곡차곡 쌓아나가기 때문에 본격적인 경기가 펼쳐지면서 이들의 패스나 슛 혹은 리바운드 하나하나마다 의미가 생겨난다. 그래서 선수들이 파이팅을 외치고 골이 들어갔을 때 함께 기뻐하고 하이파이브를 하는 장면은 보는 이들을 울컥하게 만드는 울림을 갖게 된다. 

무엇보다 <더 퍼스트 슬램덩크>에는 없는 <리바운드>만의 차별점은 실화를 바탕으로 하고 있듯이 그 안에 드리워진 우리 사회의 현실이 더 실감나게 담겨 있다는 점이다. 마지막 결승에서 만난 용산고 농구부와 부산 중앙고 농구부는 그들이 타고 온 어엿한 전용버스와 작은 봉고차의 차이만으로도 서로 다른 환경이 비교된다. 각종 지원을 받는 용산고 농구부는 후보군까지 포함해 참가 기준 12명의 선수들이 함께 뛰지만 부산 중앙고 선수들은 단 6명밖에 선수가 없고 그 중 한 명마저 부상으로 빠지게 되면서 5명이 매 경기를 쉬지 않고 뛰어야 하는 처지에 놓인다. 애초부터 공정할 수가 없는 경기다. 

그 불공정한 현실 앞에서도 기적 같은 결과를 내는 힘은 다름 아닌 ‘리바운드’ 정신 때문이다. 양현이 코치가 말한 것처럼, 골을 던져서 들어가는 것보다 안 들어갈 확률이 훨씬 높다. 하지만 그래도 리바운드를 하면 다시 한 번의 기회를 얻을 수 있다. 여기서 중요한 건 그 기회를 자신만이 아니라 함께 하는 팀과 나눈다는 점이다. 리바운드를 해낸 이가 다른 팀원에게 패스를 해주고 그가 또 다시 던질 수 있게 해준다는 것. 

그래서 <리바운드>는 사회적인 메시지를 갖게 된다. 내가 다시 한 번 기회를 갖는 것이면서, 동시에 같은 사회 구성원으로서 다른 이에게도 다시 한 번 기회를 갖게 해주는 것이라는 의미에서다. 과연 우리 사회는 청춘들에게 이러한 ‘리바운드’를 해주고 있을까. 첫 발을 잘못 디디면 아니, 아예 본인들의 선택과는 상관없이 어떤 부모에게 태어났는가에 따라 정해진 결과만을 강요하고 있는 건 아닐까. 이러한 현실이 밑바탕에 깔려 있어서일까. 농구라는 스포츠를 다룬 영화지만, 이 작품을 통해 장항준 감독이 청춘들에게 건네는 위로는 남다른 울림으로 다가온다. (사진:영화'리바운드')

'오토라는 남자', 톰 행크스를 살게 한 작지만 큰 이유들

미국 영화 맞아? 톰 행크스 주연의 <오토라는 남자>는 마치 한국드라마 같은 느낌을 준다. 자그마한 타운하우스에 중간 도로를 마당처럼 나눠 쓰는 가족과 이웃들의 이야기를 다뤘다는 점에서 <응답하라1988>의 골목과 이웃들이 보여줬던 그 정서가 느껴지기도 한다. 소소하고 소박해 보이지만 의외로 그 감정의 진폭이 커져 끝내는 가슴이 따뜻해지는 그런 영화. 

오토(톰 행크스)는 사랑하는 아내 소냐를 잃고 곧 그 뒤를 따라가려는 사람이다. 그래서 이웃들과 선을 긋고 자신만의 삶에 머물며 전기도 끊는 등 끝을 준비한다. 그러니 이웃들에게 살가울 이유가 없다. 계속 함께 살아갈 이들이 아니기 때문이다. 그래서 퉁명스럽게 대하고 이웃들도 그를 대놓고 ‘꼰대’ 취급 한다. 하지만 오토가 갖가지 방법으로 죽으려 할 때마다 그 계획이 어그러지는 건 바로 그 귀찮기만 한 이웃들 때문이다. 

새롭게 이사 온 마리솔(마리아나 트레비노)은 어딘가 집안일에는 젬병인 남편 대신 오토를 찾는다. 공구와 사다리를 빌려달라고 하고 사다리에 올라 열리지 않는 문을 열려다 떨어져 다친 남편이 구급차에 실려 병원에 가자 차로 거기까지 데려다 달라 한다. 그것도 모자라 운전연수를 해달라고 부탁하고 남편과 데이트를 하기 위해 아이들을 봐 달라고까지 한다.

그런데 툴툴거리고 퉁명스럽기 이를 데 없는 이 ‘꼰대 할아버지’는 그러면서도 이러한 부탁들을 외면하지 않는다. 마리솔만이 아니다. 길가에 꽁꽁 얼어붙은 길고양이를 외면하지 못하고, 트랜스젠더라는 이유로 집에서 쫓겨난 아내의 제자에게 잠잘 곳을 마련해준다. 본인이 죽으려 하지만 죽을 위기에 처한 이를 구하기도 하고, 평생 지기였지만 차에 대한 취향이 달라 갈라졌던 이웃 친구가 마주한 문제를 나서서 해결해주기도 한다. 

죽고 싶은 오토를 살게 하는 건 그를 귀찮게 만드는 이웃들이다. 그리고 오토가 그들을 귀찮아하면서도 외면하지 않고 자잘한 일들을 도와주는 마음을 쓴 것처럼, 이웃 마리솔은 죽으려만 하며 오토가 그 누구도 들이지 않았던 그 길로 들어와 그의 이야기를 들어준다. 그리고 묵묵히 그 이야기를 들으며 울어준다. 그건 어둠 속에 자신만의 집과 루틴 안에만 머물던 오토를 다시 살게 만드는 힘이 되어준다. 죽음으로만 가던 길을 소소한 일상으로 되돌리는 것. “이게 사는 거지”라고 말할 수 있는 건 바로 그 일상에 있었다는 걸 마리솔은 깨닫게 해준다. 

베스트셀러 소설 <오베라는 남자>를 원작으로 한 이 영화는 미국 영화지만 가족과 이웃의 소중함에 대한 이야기를 다루고 있다는 점에서 이례적인 느낌을 준다. 하지만 이건 미국 영화에 대한 일종의 편견 때문일 게다. 사는 곳은 달라도 ‘인간의 온기’를 원하는 건 어느 나라나 다 마찬가지라는 걸 이 작품의 흥행이 말해주기 때문이다. 원작도 세계적이 베스트셀러가 됐지만 영화도 미국내 박스오피스 톱5에 오르는 성과를 내기도 했다. 

<포레스트 검프> 같은 영화를 통해 코미디 안에 잔잔한 감동과 삶에 대한 페이소스를 담아내곤 했던 톰 행크스의 명불허전 연기를 볼 수 있는 작품이지만, 이 작품에서 특히 주목되는 건 마리솔 연기를 한 마리아나 트레비노다. 그가 톰 행크스와 호흡을 맞춰 보여준 연기는 관객들에게 영화가 끝나고 나서도 가슴 따뜻한 미소를 짓게 만들 정도의 여운을 준다. 

<오토라는 남자>는 다른 한 편으로 우리의 이웃을 되돌아보게 만든다. 물론 앞서도 언급했던 <응답하라1988> 같은 작품 속 훈훈했던 이웃들의 이야기가 있지만 그건 현실에서 사라져버린 이웃들에 대한 결핍이 불러온 복고이자 추억이 아니었던가. <이웃사람> 같은 영화처럼 언젠가부터 우리네 영화에서 이웃이 따뜻하기보다는 심지어 공포를 주는 존재로 그려지고 있다는 건 씁쓸한 일이 아닐 수 없다. 그래서일까. <오토라는 남자>가 주는 훈훈한 판타지의 여운이 우리네 관객들에게도 결코 작지 않은 것은. (사진:영화'오토라는 남자')

‘사랑이라 말해요’, 이광영 감독의 섬세한 연출이 쌓은 감정의 더께

“캠핑을 중학교 입학하면서 대홍 아저씨한테 처음 배웠어요. 그 때는 아저씨를 아버지라고 불렀었고. 어머니가 결혼하셨던 분들 중에 처음으로 아버지라고 불렀던 분인데 3년만인가? 어머니가 다른 분하고 다시 결혼을 하셨어요. 그 때 아저씨는 다니던 회사도 그만두고 캠핑한다고 전국을 떠돌고 나는 그 때부터 단 한 번도 제대로 된 울타리 안에서 살아 본 적이 없었어요. 내 어머니는 내 약점이에요.” 

디즈니+ 오리지널 드라마 <사랑이라 말해요>에서 동진(김영광)은 우주(이성경)에게 자신의 약점을 이야기한다. 그 이야기 속에는 그가 왜 캠핑을 좋아하게 됐고 캠핑 전시 관련 일을 하다 회사까지 차리게 됐는가에 대한 것은 물론이고, 그의 엄마가 왜 그가 못 견딜 정도의 약점이 되었는가에 대한 것도 들어있다. 특히 ‘제대로 된 울타리 안에서’ 살아 본 적이 없다는 말은 못내 가슴을 후벼 판다. 

그건 물리적인 공간으로서의 집을 말하는 게 아니다. 자신을 따뜻하게 보듬어주고 행복감을 주는 그런 심리적인 의미의 집이다. 그는 마음 둘 데가 없었고 그래서 집이 아닌 캠핑을 할 때 오히려 편안함을 느낀다. 그 말을 들으며 우주는 어쩌면 동진이 퇴근 길 유난히 쓸쓸하게 보이는 ‘축축한 등’을 떠올렸을 지도 모른다. 버젓이 넓은 집이 있지만 퇴근해도 갈 곳이 없는 사람처럼 거리를 배회하던 그 등짝을.

동진이 우주에게 이 이야기를 하는 곳은 바로 그가 살고 있는 집이다. 그 집은 동진 홀로 있을 때 더할 나위 없이 쓸쓸하다. 어둠이 그를 삼켜버릴 듯이 축 가라앉아 있고, 우주의 표현처럼 금방 이사를 간다 해도 믿을 정도로 가구도 없고 냉장고도 텅 비어있다. 온기가 없다. 그런데 동진이 우주와 함께 그런 이야기를 하는 장면은 여전히 어둑하지만 어딘가 포근하다. 마치 캠핑을 온 것처럼 창가에 의자를 나란히 놓고 적당히 떨어져 앉아 차를 마시는 그들 사이에는 영상으로나마 모닥불이 타 오른다. 

이광영 감독은 이 장면을 문밖에서 그 문의 프레임 안에 마치 두 사람이 들어가 있는 것처럼 담아내는데, 그래서인지 너무 넓어서 휑하고 쓸쓸하기만 했던 집과는 너무나 다른 느낌을 준다. 작아서 귀엽고 오밀조밀한 공간에서 두 사람이 나누는 대화와 눈빛에서 온기가 느껴진다. “오늘 자고 갈래요?”라고 조심스럽게 던지는 동진의 말에 우주가 그저 고개를 짧게 끄덕이는 장면은 그래서 더 애틋해진다. 그건 이 두 사람이 더할 나위 없는 자신들만의 공간 속에 들어왔다는 걸 말해주는 것이니 말이다. 

그래서 다음 날 아침 동진이 깨어나 먼저 나간 우주가 챙겨 놓은 밥을 먹는 장면은 이전에 그가 혼자 먹던 장면과는 완전히 다르다. 이광영 감독은 이 작품에서 유독 인물들의 뒷모습을 많이 담아내는데, 동진의 뒷모습은 그가 살고 있는 집처럼 덩치가 커서 오히려 더 쓸쓸한 모습으로 담겨지곤 한다. 하지만 우주와의 하룻밤을 보내고 깨어나 동진이 아침을 먹는 장면에서는 창가에서 마치 축복처럼 햇볕이 쏟아진다. 그리고 카메라가 뒤로 빠져나가면 거기 우주가 동진을 위해 아침을 하는 모습이 오버랩된다. 마치 한 장면인 것처럼. 홀로 아침을 먹고 있어도 동진의 뒷모습이 왠지 축축해보이지 않는다. 

<사랑이라 말해요>를 볼 때마다 느끼는 것이지만, 이 작품에서 이광영 감독의 연출이 만들어내는 지분은 절대적이다. 이광영 감독은 인물들을 프레임에 담을 때 그저 서사를 설명하는 방식으로 담지 않는다. 그보다는 감정을 담아내려 한다. 부감으로 찍을 때와 정면으로 담을 때 그 안에 인물이 어떤 정도의 크기로 어느 위치에 들어가야 그 때의 감정이 살아나는가를 세심하게 배려해서 담는다. 

그건 동진의 회사에 앙심을 품고 망하게 하려고 한 신대표가 회사를 찾아와 최선우(전석호)가 대들면서 난리가 났을 때 모든 직원이 일어서 있는 상황 속에 동진과 우주만 자리에 앉아 있는 장면 같은 데서도 잘 드러난다. 그 앉은 눈높이에서 두 사람의 시선이 마주칠 때 전해지는 감정선 같은 걸 이광영 감독은 놓치지 않는다. 

물론 이러한 연출이 가능한 건 인물들의 감정을 세심하게 담아내는 대본과 대사가 없으면 불가능하다. 하지만 제아무리 좋은 대본이 있어도 연출이 그 감정을 켜켜이 쌓지 못하고 훑어지나가 버리면 그 느낌이 살 리가 없다. 오랜만에 느껴 보는 멜로 연출의 맛에 시청자들은 우동커플(우주와 동진) 얼굴만 봐도 눈물 나는 먹먹한 경험을 하고 있다. (사진:디즈니+)