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토크쇼에서도 호흡 척척 맞는 마빡이와 갈빡이

‘상상플러스’에 출연한 마빡이 정종철과 갈갈이 박준형. 무를 갈고 이마를 때리는 몸 개그의 시조이자 달인인 이들은 무대가 아닌 토크쇼에서 개그맨의 진면목을 보여주었다. 옥동자에서 마빡이로 한없이 망가지며 시청자들을 즐겁게 해주었던 정종철. 그리고 갈갈이에서부터 시작해 현재의 갈빡이까지 수많은 캐릭터로 웃음을 주었던 박준형. 그러나 인생 자체도 웃음이 떠나지 않을 것 같은 이들이 입을 연 것은 자신들의 실패담이었다.

“차마 스스로는 얘기하기 그럴 것”이라며 대신 박준형이 말해준 정종철의 외모에 얽힌 수난과 성공은 그것 자체가 개그맨의 존재를 말해준다. 외모 때문에 초등시절에는 짝에게, 중등시절에는 교회의 누나에게 수모를 겪고 심지어는 음식점에서도 외모 때문에 채용되지 않았던 사연을 공개했다. 결국 주방에서만 일한다는 조건으로 채용된 냉면집에서, 주방장이 되는 이야기는 악조건을 웃음으로 한 바탕 뒤집는 정종철의 타고난 개그맨 기질을 말해주었다.

이어진 박준형의 이야기는 8번 개그맨 시험에서 떨어진 사연. 모기 먹는 들쥐를 준비해간 박준형 앞에는 수달을 해버린 심현섭이 있었고, 수다맨 강성범의 수다를 이길 방법이 없었다고 박준형은 토로했다. 그러면서 그는 정종철이 단 한 번에 시험을 통과한 것이 억울하다며 “그 시험을 볼 때 정종철이 문 열고 들어오자 심사위원들이 웃었다”는 사연을 털어놓기도 했다. 외모 이야기에서 눈물을 글썽이기까지 한 정종철과 그런 정종철의 이야기를 재미있게 개그로 풀어낸 박준형은 그들의 개그가 저 힘겨운 눈물과 노력에서부터 비롯된다는 걸 보여준다.

그런데 재미있는 건 이 둘이 보여준 환상의 호흡. 토크쇼에서 흔히 그러하듯이 주로 자신의 이야기를 저 혼자 떠들고 듣는 것이 아니라, 마치 무대개그처럼 호흡을 맞춰 얘기했다는 것이다. ‘갈갈이 패밀리와 드라큐라’의 남기남 감독에 대한 이야기를 할 때는 마치 입을 맞춘 것처럼 척척 대화로 이야기를 재연해 보였다. 박준형의 상황 제시에 반사적으로 정종철의 성대모사를 통한 완벽재연이 척척 맞아떨어진 것. 왠만한 호흡이 아니면 맞추기 어려운 걸 마치 입에 붙은 것처럼 해나가는 이들에게서 무대개그에서 비롯된 팀워크의 힘을 느낄 수 있었다.

방학특집으로 기획된 이 날 ‘세대공감 읽기’게임에 들어가서도 이런 호흡은 여전했다. 초등학교 교과서에 게재된 시를 정확한 발음에 따라 끝까지 먼저 읽는 이가 이기는 이 게임에서 정종철이 한 구절 한 구절 읽어나갈 때마다, 마치 버릇처럼 나오는 박준형의 “좋아, 좋아”하는 추임새는 이들 개그맨들이 최고 위치에 오르게 된 이유를 설명하기에 충분했다. 정종철은 박준형 특유의 너스레가 만들어놓는 상황 속에서 무한히 자신의 기량을 만끽하고, 박준형은 끊임없이 거기에 힘을 실어주는 모습이 바로 그것이다.

이러한 완벽한 호흡은 또한 무대개그가 갖는 어려운 현실을 반증하는 결과다. 칼날 같은 무대 위에서 혼자 서기보다는 함께 서로를 북돋으며 세우는 것은 어쩌면 개그맨이 살아갈 수 있는 유일한 길인지도 모른다. “처음 마빡이를 할 때 2회 째가 더 부담이었다. 그것은 이 코너가 단명할 거라는 예상 때문이었다. 하지만 그 때 준형이 형이 많은 도움을 주었다.” 이렇게 말하는 정종철의 눈이 축축한 것은 바로 그 때문이 아닐까.

마빡이와 갈빡이의 꿈은 어린이들을 위한 영화를 만드는 회사를 차리는 것. ‘옥동캅’을 준비하다가 ‘마빡이’가 뜨는 바람에 ‘마빡캅’을 생각하고 있다는 이들에게서 그 꿈이 멀지 많은 않게 느껴지는 건, 어려움을 오히려 장점으로 바꾸는 개그맨 특유의 기질이 느껴지기 때문이다. 모쪼록 꿈이 이루어져 웃음에도 철학이 존재한다는 것을 보여주었으면 하는 기대가 크다.

MBC 사극 ‘주몽’이 연장에 돌입한 이래, 시청률은 조금씩 반등하고 있다. 그렇지만 연장을 하면서 “완성도를 높이겠다”던 애초의 약속은 실종된 상태. 여전히 에피소드식 전개와 개연성 없는 설정이 계속되고 있다.

가장 큰 문제는 긴장감의 결여. 현재 드라마 ‘주몽’의 전개방식은 사전에 모든 정보를 누출하는 치명적인 결함을 보여주고 있다. 부분노가 부여에 있는주몽의 충실한 세작 역할을 할 것이 분명하고, 따라서 이미 주몽이 죽었다고 판단하는 데다, 먼저 200여 명의 선발대만을 끌고 온 대소와 주몽의 전투는 보나마나한 것이 된다. 아무래도 이것은 스케일 논란을 벗어나려는 무리한 설정이 아니었을까. 이런 상황에서 그 결과를 짐작하는 건 너무도 쉬운 일이다.

앞으로 벌어질 부여의 봉쇄 조치로 졸본이 위험에 처한다는 설정 역시, 이미 긴장감을 잃은 상태다. 그것은 벌써 저 해적대장 부위염이 자신의 아버지 유품을 꺼내놓을 때부터 시작됐다. 아버지가 본래 다물군이었다는 것. 그래서 주몽에게 충성을 맹세하는 장면은 굳이 없었으면 더 좋았을 설정이다. 주몽 스스로의 설득만으로도 충분했기 때문이다. 아무리 제를 올리고 쓰러지는 주몽을 본다해도 거기서 어떤 긴장감을 찾기 어려운 것은 이미 주몽이 보내놓은 해결책들이 제시되었기 때문이다. 좀더 극적으로 끌고 가 결정적인 순간에 해결책이 제시되었다면 더 긴장도를 높일 수 있지 않았을까.

게다가 여전히 이해할 수 없는 장면들이 긴장감을 한층 더 떨어뜨린다. 부분노가 고작 네 명의 별동대를 데리고 가는 장면도 이해하기가 어렵고, 화공을 한다고 하면서 불화살 몇 번 쏘고 결국에는 백병전으로 가는 장면은 아무리 주몽과 대소가 얼굴을 맞대고 대화를 주고받는 장면이 중요하다 해도 기대감을 무색하게 만든다. 더 문제가 있는 것은 바로 한 겨울의 역병이라는 설정. 봉쇄조치에 이은 긴장감을 고조시키기 위한 장치라고는 하지만 허점이 너무 많은 선택이 아니었을까. 드라마 전개에 있어 사족이 될 뿐인 난데없는 예소야와 설란의 유리 쟁탈전은 물론이고, 금와의 지나칠 정도의 광기(유화부인을 죽이겠다고 할 정도로)는 불필요한 장면이 아닐 수 없다.

이러한 드라마적인 완성도의 실종에도 불구하고, 드라마 ‘주몽’이 어떤 힘을 갖는 것은 그나마 캐릭터 자체가 갖고 있는 힘과 연기자들의 호연이 남아있기 때문이다. 마치 그 자신이 주몽인 것처럼 혼신의 열연을 펼치고 있는 송일국은 카리스마는 물론이고 따뜻한 인간애까지 연기로 소화해내고 있으며, 역시 대소 역할의 김승수는 제대로 된 악역을 서릿발 넘치는 눈빛으로 연기해내고 있다. 주목할 인물로 최근 스토리에서 중요해진 부분노는 그 캐릭터 하나만으로 몇 회분의 드라마를 이끌어가고 있다. 가장 연기력이 돋보이는 인물은 금와왕 역의 전광렬. 그 억지스런 설정에도 오히려 전율을 느끼게 만드는 그의 호연은 안쓰러운 마음까지 들게 한다.

하지만 아무리 연기자들이 호연을 해도 긴장감이 떨어지면 드라마는 힘을 잃게 된다. 빠른 전개를 위한 것이라 하더라도, 지금처럼 확실한 호적수가 보이지 않는 ‘주몽’에서는 한 템포 늦춰야 한다. 이제 주몽을 대적할 호적수가 천재지변 같은 것이라면 미리 예견할 수 있는 장면들은 피해야 할 것이다. 지금은 너무 주몽 혼자 앞으로 계속 달리는 형국이라 적으로 설정된 대소나 금와, 한나라가 뒤쫓아오기 어려운 상황이 되었고, 그러다 보니 그 외의 인물들, 예를 들면 영포나 설란, 원후, 유화부인 등등이 드라마에 재미를 주지 못하고 사족이 되고 있다. 그러다 보니 ‘주몽’은 인물 전체가 움직이지 못하고 그때그때 필요한 에피소드의 인물들이 나왔다가 주몽에게 패퇴하는 장면만 반복되고 있는 상황이다. 연기자들의 호연에 긴장감 있고 짜임새 있는 극적인 스토리가 덧붙여진다면 시청률이라는 호랑이에 완성도라는 날개도 달 수 있지 않을까.

어른들 사로잡는 아이들 영화

방학시즌이 되면서 아이들을 대상으로 한 이른바 ‘방학용 영화’들이 한 편 두 편 극장가에 선을 보이고 있다. 으레 방학이면 아이들 손잡고 영화 한 편 보는 게 통과의례처럼 되어 버려 좋던 싫던 시간 내서 영화관을 찾긴 찾아야겠는데, 그게 그렇게 영 내키는 일은 아니다. 아무래도 ‘애들 영화’라는 선입견 때문. 하지만 애들 영화라고 얕보면 안 된다. 별 기대않고 들어갔다가 오랜만에 감동 먹은 어른들이 꽤 많기 때문이다. 어른들 마음 사로잡는 아이들 영화, 그 속으로 들어가 보자.

아빠 왜 울어? 어른 울리는 ‘해피피트’
이 영화를 보기 전 주의사항. 아무 생각 없이 봤다간 끝 부분에 가서 북받쳐 오르는 감동에 “아빠 왜 울어?”하고 아이가 물어보는 상황을 맞이할 수 있다는 것. 펭귄의 세계를 통해 동심으로 만들어진 ‘해피피트’는 아이들에게는 그저 즐거운 영화일 수 있겠지만, 어른들은 그 깊은 이야기 속에서 눈물을 흘릴 수도 있다.

태어날 때부터 음치이지만 대신 춤을 잘 추는 멈블은 그 춤이 물고기가 사라지는 재앙을 불러올 것이란 이유로 종족에서 쫓겨난다. 멈블은 그러나 물고기가 사라지는 이유를 찾기 위해 모험을 떠나고 결국 인간에게 그 환경문제를 알려 펭귄들을 구한다는 이야기다. 얼핏 보면 그저 ‘미운 오리새끼’의 변용인 것 같지만 전혀 그렇지 않다.

펭귄세계의 종교적 상황과 어찌할 수 없는 미지의 힘에 대한 해석들이 등장하면서 영화는 좀더 인간 존재에 대한 질문을 담지한다. 이 영화는 대부분의 동물영화들이 그렇듯이 동물을 통한 인간 세계에 대한 비판을 담고 있다. 하지만 이 영화만의 미덕은 단순한 비판을 넘어서 인간 실존의 질문들을 담고 있다는 데 있다. 물론 아이들은 탭댄스 추며 노래하는 펭귄에 매료되는 것으로 대만족이지만, 어른들은 생각 못한 수확을 얻게되는 셈. 순수한 아이들의 세상을 쳐다보는 것만으로도 충분히 얻어갈 것이 많다는 평범한 진리를 깨닫게 해주는 영화다.

야생의 맛을 보여주자구, ‘부그와 엘리엇’
‘부그와 엘리엇’은 자칫 직장이나 가정에 매몰되어 살아가는 ‘귀차니스트’ 어른들에게 야생의 맛을 보여줄 영화다. 부그는 산악관리인 베스에 의해 키워진 곰으로 TV와 쿠키를 좋아하고 변기가 없으면 볼 일을 못 볼 정도로 야생과는 거리가 멀다. 어느 날 난폭한 사냥꾼 쇼에게 잡힌 사슴 엘리엇을 부그가 구해주자 엘리엇이 자꾸만 부그를 부추겨 야생으로 끌어낸다. 결국 사고를 친 부그와 엘리엇은 산으로 돌아가게 되고 거친 야생의 맛이 고달픈 부그는 인간세상으로 돌아오려 한다. 그러나 마침 사냥철이 되어 위기에 몰린 동물들을 구하기 위해 인간과 맞서면서 차츰 야성을 찾아간다는 이야기.

조금 결말에 가서 무언가 맥빠지는 느낌이 없잖아 있지만, 그래도 이 ‘인간에게 길들여진 곰’이 야생으로 돌아가는 이야기가 울림이 있는 것은 바로 우리네 삶에도 부그가 처한 상황이 존재하기 때문이다. 그것이 있어 동물들이 모두 협심해서 인간들을 혼내주는 장면에 가서는 어떤 통쾌함을 느끼게 되는 것이 아닐까. 아이나 어른이나 다닥다닥 붙은 아파트 생활에 익숙한 우리네 환경에 속시원한 야생의 맛을 느끼게 해주는 영화다.

아버지는 살아있다, ‘박물관이 살아있다’
남자는 약하지만 아버지는 강하다. 박물관이 밤이 되면 살아난다는 ‘주만지적인’상상력으로 돌아온 ‘박물관이 살아있다’에는 박제되어버린 우리네 아버지들의 자화상이 숨어 있다. 하는 일마다 실패해 이혼까지 한 래리 댈리(벤 스틸러 분)는 아들에게만은 떳떳하고 싶어 일자리를 찾는다. 그 일이란 다름 아닌 박물관 야간경비원. 그런데 이 박물관 야간경비가 만만찮은 일이다. ‘박물관은 역사가 살아나는 곳이다’라는 경구가 실제 상황으로 변하기 때문이다.

롤러코스터 타듯 신나게 박물관 모험 속에 빠지다 보면 슬슬 이 영화가 직업도 없고 입지도 좁아진 우리네 아버지들 이야기라는 사실을 깨닫게 된다. 아들 앞에서 떳떳하게 서는 모습에서 어떤 통쾌함을 느끼게 되지만, 그것이 결국 환타지라는 점에서 씁쓸한 뒷맛을 남긴다. 평소 아이들에게 주말 잠자는 모습으로 기억되고 있는 아버지라면, 함께 보는 것으로 서로간 이해의 폭이 넓어질 수 있는 영화다. ‘박물관이 살아있다’에서 아이들은 어쩌면 ‘살아있는 아버지’를 찾아낼 수 있을 지도 모른다.

아이들 영화를 보면서 깊은 감동을 받거나 눈물을 흘리거나 너무나 통쾌한 웃음을 웃는다는 건 그만큼 자신의 현실이 아이들의 순수에서 더 멀리 있다는 걸 안다는 증거이다. 취향따라 만족도에서 차이가 있겠지만 한번쯤 아이들 세계 속으로 푹 빠져보며, 잊고 있던 방학의 기억을 되살려보는 것도 의미가 있을 것이다.

‘중천’의 고전이 시사하는 것

‘중천’이 제작된다고 했을 때, 우리는 누구나 새로운 한국형 블록버스터를 기대했다. 그 이유는 간단하다. 100억 원이 넘는 제작비가 투여된 데다, 아시아급 스타인 정우성, 김태희가 주연을 맡은 점, 게다가 CJ엔터테인먼트가 투자했다는 점에서 안정적인 배급망까지 확보했다는 점에서 그랬다. 살짝 공개된 CG를 통해 우리는 또 한번 기대감을 갖게 되었다. 이건 ‘반지의 제왕’급 CG가 붙었으니 이제 이 ‘중천’이란 호랑이는 날개를 단 격이라고 생각했다. 이 정도면 국내는 물론이고 아시아 시장을 노려볼 만 하다고 여겼다.

그러나 막상 뚜껑이 열리고 몇 주가 지난 상황에서 ‘중천’의 성적표는 참담하다. 현재 약 150만∼170만 관객정도를 확보한 상태고 최종관객수가 200만을 전후할 거라는 예측이 나오고 있다. 이렇게 되면 400만 정도가 들어야 맞출 수 있는 손익분기도 넘기기 어렵다는 결과가 나온다. 무엇이 이 완벽한 조건의 영화를 고전의 구렁텅이에 빠뜨렸을까. 그 시사하는 바를 살펴보면 한류의 바람을 타고 만들어지는 우리네 블록버스터의 문제를 들여다 볼 수 있다.

영화는 CG가 아니다
우리네 CG기술은 이제 더 이상 헐리우드의 그것을 부러워하지 않아도 될 정도가 되었다. 그 증거물은 다름 아닌 ‘중천’이다. CG기술의 핵심인 캐릭터 모델링에서부터 동작을 연출하는 애니메이션 기술도 이제는 자연스러운 단계로 접어들었다. 무엇보다 이러한 CG를 실사와 합성하는 기술이 진일보함으로써 이제는 너무 CG기술에 매달릴 필요가 없게되었다. 과거에는 CG 자체의 성공이 작품 성공의 관건이 되었다면, 그것은 이제 영화나 게임 등의 한 부분이 되고 있다. CG가 멋지다고 해서 흥행이 되지는 않는다는 얘기다.

이러한 현상은 우리나라만의 상황이 아니다. 최근의 헐리우드 액션은 와이어 액션보다 리얼 액션으로 돌아가는 느낌을 주고 있다. 최근 개봉된 ‘007 카지노로얄’이 007 본연의 캐릭터인 신종무기를 버리고 오로지 자신의 몸 하나로 액션을 보여주는 것은 최근의 트렌드를 고스란히 말해준다. 만들어진 액션보다는 이제 실제 액션을 봐야 리얼하게 다가오는 세상이다. 아무리 정우성이 저 하늘 꼭대기에서 내동댕이쳐져 바닥에 착지하는 장면이 실사에서는 불가능하고, 그래서 CG로 만든 정우성이 그걸 대역한다 하더라도 이제 영화의 관건은 그런 CG가 아니다. CG는 이제 영화의 한 기술일 뿐, 그 자체가 되지는 못한다.

상업영화에서는 내러티브의 힘이 관건이다
영화의 성공 여부는 오히려 고전적인 조건들로 돌아가게 된다. 내러티브의 힘이 가장 중요한 요소가 되는 것이다. ‘중천’이 고전을 면치 못하는 이유는 바로 이 내러티브를 확고하게 만들어주는 스토리 구축에 있어서 저 CG만큼의 노력을 하지 않았던 데 있다. ‘반지의 제왕’을 방불케 하는 화려한 CG를 통해 고작 하고자 하는 스토리가 멜로라면 이건 기획의 실패일 수도 있다. CG에 열광하는 층이 어쩌면 가장 흥미를 느끼지 못할 스토리가 바로 구태의연한 멜로이기 때문이다.

오히려 매트릭스적인 상상력을 스토리 속에 더 쏟아 넣었다면 ‘중천’은 동양적 혹은 불교적인 철학관을 매트릭스적으로 풀어낸 작품이 될 수도 있었다. 불교가 말하는 연기설과 꿈과 현실이 교차하는 이야기가 맞물렸다면 이 이야기는 좀더 보편적인 공감의 틀을 만들어 아시아만이 아닌 전 세계를 시장으로 구축할 수도 있었을 것이다. 또한 단지 눈물을 쏟아내는 ‘은행나무 침대’식의 이야기들은 캐릭터들이 가질 수 있었던 매력을 없애버린 결과를 낳았다. 스토리는 단지 이야기의 재미만이 아니라 캐릭터들의 힘까지도 만들어준다. 따라서 캐릭터의 실패는 제 아무리 훌륭한 연기자가 끼어 든다고 해도 복구될 수 있는 것이 아니다.

스타마케팅만으론 안 된다
‘한류 위기설’의 핵심에 있는 것이 바로 스타마케팅이 갖는 부정적인 영향이다. 누가 봐도 간판급 한류스타인 정우성과 김태희의 출연은 아시아 전체에 이 영화에 대한 기대감을 높여놓았겠지만, 영화를 본 실망감이 주는 부메랑 효과는 너무나 가혹하다. 기대감만큼의 무게로 그 타격은 한류 전체가 입게 되는 것이다. 몇몇 스타를 캐스팅하면 무조건 된다는 사고방식은 우리네 ‘묻지마 투자’를 닮아 있지만 이것은 이제 우리나라에서도 먹히지 않는 방식이다.

스타에 너무 주력하다 보면 결과적으로 스타의 몸값을 높이게 되고, 그렇게 되면 여타 제작비의 여력이 줄어든다. 이것은 결국 영화의 부실을 낳게 된다. 부실한 영화를 스타 몇 명이 채워줄 수 있다는 건 이제 환상이다. 스타보다는 작품의 질을 높일 수 있는 감독, 작가와 스토리 발굴, 영화 스텝들의 처우개선 등이 결과적으로는 더 성공에 가깝게 갈 수 있는 지름길이다.

배급, 마케팅도 작품이 있고 나서 얘기다
‘괴물’이 괴물 같은 관객수를 갱신하며 성공가도를 달릴 때 비판으로 제기된 것이 배급과 마케팅의 문제다. 영화적 질보다는 전국 영화관을 장악한 배급망과 수치를 갖고 사람들을 끌어들이는 마케팅이 그 성공을 만들었다는 것이다. 이것은 일견 맞는 말이기도 하지만, 조금 더 생각해보면 그것도 결국 ‘괴물’이라는 작품이 있고 나서의 얘기다. ‘괴물’은 그만한 흥행력을 담지한 작품임에 틀림없다.

CJ엔터테인먼트에서 투자한 ‘중천’이 전국망의 배급력을 갖고 있으면서도 성공하지 못하는 원인은 바로 그 작품에 있다. CG에서는 성공했을지 몰라도, 영화로서는 완성도가 떨어지는 영화를 아무리 밥상 위에 자꾸 올린다고 해도 쉬 젓가락이 잘 가지 않는 건 당연한 일이다. 블록버스터급 영화에 블록버스터급 배급이 가능하다 해도 결국 작품이 없다면 성공은 요원한 일이다. 이런 상황에 마케팅은 오히려 역효과를 낼 수도 있으니 이러지도 저러지도 못하는 상황에 몰리게 되는 것이다.

‘중천’의 고전이 시사하는 것은 이제 영화의 외형적인 것들(스타, CG, 배급, 마케팅 등등)에 대한 투자보다는 좀더 영화 자체에 대한 투자가 필요하다는 것이다. 이것은 또한 이런 식으로도 읽힌다. 영화의 외형은 이제 충분히 성숙되어 있어서 더 이상 그것만으로는 성공을 보장할 수 없다는 것. 잠시 외형에 들떠 잔뜩 폼을 잡고 있던 우리네 영화가 이제 좀더 내실을 기해야 한다는 준엄한 경고를 저 ‘중천’은 말해주고 있다.